Minha vivencia musical começou cedo, não lembro bem como aconteceu, mas aos 10 anos de idade me via a frente de um palco para cantar em uma igreja, mas logo, por motivos de força maior me afastei dessa igreja, e passei de interprete a ouvinte de musica. Nos últimos anos do ensino médio, me vejo com aquela duvida cruel de qualquer adolescente: "Que vestibular prestar?. E enquanto essa duvida corroía minha mente, percebo que amigos meus tocavam alguma coisa, a partir disso entrei numa primeira banda, aprendi a tocar violão e guitarra praticamente sozinho.
O velho rock´n roll após um tempo na banda já não me satisfazia mais, as idéias antigas e a vontade de estudar musica foi maior do que querer apenas me divertir tocando. Logo percebi o que eu queria e quando dei por mim estava me entupindo de livros de musica para tentar o vestibular, por que era necessário um teste de aptidão antes de fazer a prova do vestibular convencional.
No intervalo de tempo entre o final do colégio e o resultado do vestibular, descobri que havia ganhado uma bolsa do prouni para cursar gestão financeira. Comecei a estudar, e também a dar aulas de violão e contra-baixo, e descobri que havia passado no vestibular para musica.
Como qualquer entusiasmado em musica, eu passei a querer compor, não só musicas com letras mas também as instrumentais. Essa ânsia por compor e a tecnologia que nos temos hoje, me levou a me aventurar pelo mundo das gravações e consequentemente da produção musical.
Na indústria musical, um produtor musical ou produtor discográfico é o termo que designa uma pessoa responsável por completar uma gravação master para que esteja pronta para o lançamento. Eles controlam as sessões de gravação, treinam e guiam os músicos e cantores e fazem a supervisão do processo de mixagem.
Na primeira metade do século XX, o papel do produtor musical lembrava aquele do produtor cinematográfico, em que o produtor musical supervisionava as sessões de gravação, pagava os técnicos, músicos e os responsáveis pelo arranjo das músicas, e algumas vezes até escolhia material para o artista. Pela década de 1960, os produtores musicais pegaram um papel mais direto no processo musical, incluindo criar arranjos, cuidar da engenharia da gravação e até mesmo escrever o material. Através de tudo isso, os produtores têm tido uma forte influência, não apenas em carreiras individuais, mas no curso da música popular.
Hoje em dia, com a diminuiçao dos custos de material, aumento dos interessados na area e com o grande aumento de marcas, modelos e tipos de material, ha cada vez mais home studios e produtores caseiros, sendo uma das contribuiçoes para a crise economica musical do nosso século
Muitos artistas tornaram-se produtores musicais sozinhos, e o contrário também já ocorreu: produtores virarem os artistas. Por isso eu estudo as mais variadas técnicas de produção, para continuar seguindo em frente.
Esse meu interesse pela produção musical não tem nada a ver com o meu curso da faculdade de musica, que é licenciatura, mas que dá ênfase a uma área menos valorizada na musica no brasil, a educação musical.
A trajetória da Educação Musical, no Brasil, acompanha o desenrolar da educação brasileira. Há registros de uso da música na educação desde a chegada das primeiras missões jesuíticas ao país. Neste período, a música, bem como as demais artes, era empregada na catequese. Este quadro permanece praticamente inalterado, à exceção da ampliação dos colégios jesuítas, durante os séculos XVI, XVII e primeira metade do século XVIII.
Na segunda metade do século XVIII, mudanças na legislação educacional são impetradas pelo Marquês de Pombal. São as chamadas "Reformas Pombalinas", as quais buscavam adequar o estado português ao pensamento ilumininista. As Reformas Pombalinas desestruturaram o ensino religioso sem, contudo, implementar um sistema educacional laico, público e gratuito.
Por esta época, músicos organizavam-se nas chamadas irmandades. Foram as irmandades que contribuíram para a difusão da música durante a segunda metade do século XVIII, já que os padres-músicos eram poucos.
Durante o Vice-Reinado e o Brasil Império, vamos ter uma política educacional orientada para a formação de nível superior buscando suprir uma demanda do próprio Estado no que concernia à carreiras liberais e militares. Registros de Educação Musical neste período podem ser encontrados nas Escolas Normais, onde a música sempre foi considerada parte importante na formação de novos docentes.
Considerado o maior movimento de Educação Musical de massas já ocorrido no Brasil, o Canto Orfeônico ligava-se ao ideário escolanovista e tem sua imagem profundamente ligada ao governo de Getúlio Vargas. Foi durante o Estado Novo que o Canto Orfeônico se constituiu enquanto movimento, tendo à frente, o maestro Heitor Villa-Lobos.
O Canto Orfeônico esteve presente nas escolas brasileiras até o final da década de 1960, momento em que desaparece paulatinamente da educação. Isto aconteceu, entre outros motivos, depois da promulgação da Lei 5.692/1971, a qual tornou obrigatório o ensino de artes instituindo a chamada polivalência na disciplina Educação Artística.
A polivalência no ensino de artes refere-se a ideia de que um mesmo profissional poderia dar conta de ensinar Artes Visuais, Teatro, Música e Dança. Alie-se a isto a formação superior precária deste profissional nos chamados cursos de "Licenciatura Curta", muito comuns na década de 1970, e o quadro estará completo. Como resultado desta política e do caráter tecnicista da educação no período da Ditadura Militar, vamos perceber a predominância do ensino das Artes Visuais e o desaparecimento gradual das artes coletivas, como o Teatro, a Dança e a Música, do currículo.
Porém, é importante ressaltar que na esteira da Lei 5.692/1971, diversos cursos superiores foram criados para a formação de professores de artes. Com o passar dos anos, as universidades brasileiras foram aperfeiçoando estes cursos. A partir da década de 1980, os profissionais da área de artes começaram a questionar a polivalência e um outro quadro foi se configurando. A ideia de especialização em uma determinada área artística foi ganhando terreno.
A partir da Lei 9.394/1996, foi possível perceber um gradual retorno das artes coletivas ao currículo das escolas brasileiras. Uma interpretação possível desta Lei apontava justamente para a presença diferenciada das diversas manifestações artísticas. Os Parâmetros Curriculares Nacionais - PCN -, publicados nesta época e ainda em vigor, citam quatro modalidades no Ensino de Artes: Artes Visuais, Música, Teatro e Dança. Estas modalidades deveriam estar presentes no currículo. Alguns Sistemas Escolares perceberam um aceno legal para a especialização destas áreas e algumas universidades começaram a oferecer cursos de Licenciatura específicos. Na área de música, vemos surgir os cursos de Licenciatura Plena em Música, suplantando os antigos cursos de Licenciatura Plena em Educação Artística.
A Lei 11.769, publicada no D.O.U. de 19 de agosto de 2008 altera a atual Lei de Diretrizes e Bases da Educação Nacional, instituindo a obrigatoriedade do ensino de música nas escolas brasileiras. Com esta Lei, música passa a ser um componente curricular obrigatório, uma coisa que ainda não podemos ver.
Hoje todas as áreas relacionadas as artes no Brasil, estão desvalorizadas pois nem os profissionais das artes acreditam mais na sua própria capacidade de superar os limites e correr atrás. Está na hora de mudar.
Fontes de pesquisa:
